Cinco obras icónicas de Diego Rivera

Considerado actualmente como uno de los principales artistas del siglo XX, Diego Rivera trató de hacer un arte que reflejara la vida del pueblo mexicano. En 1921, a través de un programa gubernamental, inició una serie de murales en edificios públicos. Algunos fueron controvertidos; su obra Man at the Crossroads (El hombre en la encrucijada), en el edificio RCA de Nueva York, con un retrato de Vladmir Lenin, fue detenida y destruida por la familia Rockefeller.

Casado con Frida Kahlo, fue creador de diversos murales en distintos puntos del ahora llamado Centro Histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo

Frida Kahlo y Diego Rivera se casaron dos veces, los protagonistas de una relación amorosa empañada por las infidelidades. ... En ese momento, él tenía 35 años y Frida 15. Ese mismo año, Diego contrajo matrimonio por segunda vez, ahora con Guadalupe Marín con quien tuvo dos hijas: Lupe y Ruth.

Los talentos artísticos de Diego Rivera emergieron tempranamente y con un fervor obsesivo. Con sólo tres años de edad, estaba tan consumido por el dibujo que su padre transformó una habitación entera en la casa de la familia en Guanajuato, México, en un espacio para que el niño hiciera arte, cubriendo las paredes con pizarras para los garabatos de Rivera.

Varias décadas después, Diego Rivera se estableció como uno de los pintores más ambiciosos del siglo XX, que se esfuerza por superar los límites. En 1907, salió de México hacia Europa, codeándose con impresionistas y cubistas en ciernes en España y París. Picasso, en particular, se convirtió en mentor, amigo y luego rival del joven Rivera. Lejos de su hogar, incrustó referencias a la historia, la cultura y la política mexicanas en torno a la floreciente Revolución Mexicana (1910-1920) en sus composiciones cada vez más cubistas.

Rivera se estableció de nuevo en México a principios de los años veinte y comenzó a hacer los extensos y polémicos frescos públicos social-realistas que lo llevarían a la fama en el mundo del arte. Junto con sus contemporáneos David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, Rivera lanzó el Muralismo Mexicano, un movimiento elogiado por el preeminente historiador de arte Meyer Schapiro en 1937 como "el arte más vital e imponente producido en este continente en el siglo XX".

A partir de entonces, el trabajo de Rivera fue eminentemente político, leonizando los ideales socialistas, los líderes revolucionarios y, sobre todo, la gente común. "Un artista es sobre todo un ser humano, profundamente humano hasta la médula", dijo Diego Rivera. "Si el artista no puede sentir todo lo que siente la humanidad, si el artista no es capaz de amar hasta olvidarse de sí mismo y sacrificarse si es necesario, si no deja su pincel mágico y encabeza la lucha contra el opresor, entonces no es un gran artista".

A continuación, traza la práctica influyente y apasionada de Diego Rivera a través de cinco de sus obras de arte más icónicas.

Paisaje zapatista (1915)

Rivera entró a la escuela de arte en la Ciudad de México a la edad de 10 años, y a la edad de 21 años, en 1907, se embarcó en un barco para estudiar en Europa. Allí, cuando la Revolución Mexicana regresó a casa, se familiarizó íntimamente con las tendencias del arte modernista. (Los compañeros murales mexicanos de Rivera lo criticarían más tarde por abandonar su país natal durante un tiempo de guerra).

Se hizo amigo de Chaim Soutine y Amedeo Modigliani, y aprendió técnicas protocubistas, como la adopción de la cuadrícula compositiva, de Juan Gris. En 1914, se cruzó con el maestro cubista Picasso, y los dos podían verse envueltos en acaloradas discusiones artísticas en los cafés parisinos.

Esta pintura de 1915 combina las influencias europeas de Rivera con su devoción por México y sus ideales cada vez más nacionalistas. Un pastiche cubista sintético de elementos fragmentados extraídos de la cultura indígena mexicana (sombreros, serapes) y el presente revolucionario del país (fusiles, artillería) se fusionan y consumen el centro del gran lienzo. Aquí, Rivera reivindica su identidad mexicana y se alía con la Revolución Mexicana y el movimiento de mexicanidad, que se burló de la influencia colonial y celebró la cultura y la artesanía tradicional mexicana.

Enfatizando su punto, Rivera puso sus formas cubistas contra un paisaje montañoso y virgen, recordando un México pre-colonial, y tituló la pieza en honor al ícono revolucionario Emiliano Zapata, quien dirigió las fuerzas guerrilleras campesinas en la batalla. La pintura reconoce simultáneamente la adopción del modernismo europeo por parte de Rivera y predice el creciente contenido político de su futura obra.

En el Arsenal (1928)

En 1920, Rivera viajó a Italia por primera vez para estudiar los grandes frescos renacentistas del país. Cuando regresó a un México post-revolucionario en 1921, llevó este conocimiento a un nuevo gobierno elegido democráticamente, cuyo ministro de educación pública, José Vasconcelos, convocó a un programa de artes públicas "saturado de vigor primitivo, de nueva temática, combinando sutileza e intensidad, sacrificando lo exquisito a lo grande, la perfección a la invención".

Rivera asumió este cargo, evitando el cubismo y canalizando su fervor político en los murales social-realistas de la Ciudad de México. "Ya no existía la duda que me había atormentado en Europa", recordó Rivera más tarde. "Ahora pintaba con la misma naturalidad con la que respiraba, hablaba o transpiraba". Su primera comisión importante se extendió por los muros de la Secretaría de Educación Pública de la capital. El fresco de 117 partes tomó forma a lo largo de casi 10 años, a partir de 1922.

Labores del Pueblo Mexicano muestra a los agricultores mexicanos, trabajadores industriales, maestros y artesanos trabajando. Pero es La balada de la revolución proletaria el fresco más famoso del proyecto. El ciclo representa escenas de conflicto revolucionario, como En el Arsenal, que retrata a los líderes rebeldes, a la comunidad creativa de Rivera y a los mexicanos comunes. "Por primera vez en la historia de la pintura monumental, el muralismo mexicano terminó con el enfoque en los dioses, reyes y jefes de estado", escribió Rivera. "Por primera vez en la historia del arte, repito, la pintura mural mexicana hizo de las masas el héroe del arte monumental".

Historia de México (1929-35)

Los murales de la Secretaría de Educación Pública de Rivera, así como su siguiente gran ciclo de frescos, Historia de México en el Palacio Nacional de la Ciudad de México, demuestran audazmente el estilo maduro del pintor: "Una síntesis de la estructura cubista en la composición, claridad neoclásica de la línea y una paleta brillante que refleja tanto la pintura pre-conquista como la post-impresionista", como señaló Alejandro Anreus en el Muralismo Mexicano: A Critical History (2012). Para la comisión del Palacio Nacional, Rivera asumió la ambiciosa tarea de representar la historia de México hasta 1935 y de visualizar su futuro.

Al otro lado de la gran escalera central del palacio, Rivera representa la caída de Teotihuacán (alrededor del 900 d.C.) a través del dominio colonial y las revoluciones de los siglos XIX y XX. El tema que une estos diversos acontecimientos es la lucha de clases, transmitida claramente a través de la figura central del fresco, Carlos Marx, que sujeta un estandarte blasonado con una línea del Manifiesto Comunista: "Toda la historia de la humanidad hasta el presente es la historia de la lucha de clases. Nuestra tarea no es reformar la sociedad existente sino construir una nueva".

Aunque el mural representa siglos de lucha y represión por parte de las clases dominantes coloniales corruptas, su coda es optimista. Marx apunta hacia una especie de utopía, donde los agricultores y los trabajadores de las fábricas trabajan en colaboración, existen en armonía con la naturaleza y, en última instancia, prosperan. Más tarde, el historiador de arte Stanton Catlin lo llamó "una de las más compendiosas muestras visuales de material histórico a escala casi humana en la historia del arte".

Industria de Detroit (1932-33)

Se había corrido la voz sobre los frescos épicos de Rivera, y el artista comenzó a recibir comisiones de los gobiernos municipales y de patrocinadores de todo Estados Unidos. Edsel Ford, el magnate automovilístico estadounidense, financió una de las obras más ambiciosas del artista, Detroit Industry. Durante nueve meses, Rivera se instaló en Detroit, cubriendo el vestíbulo central del Instituto de Artes de Detroit con una serie de 27 pinturas en cuatro paredes. Cuenta la historia de la ciudad en capas, a través de representaciones de sus trabajadores, los avances tecnológicos y los paisajes.

Si bien Detroit fue un floreciente centro industrial a principios del siglo XX, también experimentó grandes despidos durante la Gran Depresión. Cuando Rivera llegó a la ciudad en 1932, estos efectos se sintieron profundamente, y el pintor volvió a enfatizar la difícil situación de los trabajadores. En el muro este, Rivera representó la agricultura y la abundancia natural a través de imágenes de un niño acurrucado entre arados y rodeado de figuras desnudas. En las paredes norte y sur, representó la floreciente industria automotriz en representaciones de maquinaria que agita acero fundido y líneas de ensamblaje que forjan carros de color rojo caramelo. Y en el muro oeste, expresó lo que él veía como los peligros de la tecnología: herramientas de guerra que podrían llevar a la autodestrucción de la humanidad.

En el muro norte, Rivera representó los avances médicos utilizando el motivo de un pesebre cristiano, pero reemplazando sus figuras religiosas con médicos y pacientes contemporáneos (modeló a la madre según la estrella de cine Jean Harlow). Cuando los frescos fueron develados, un grupo de católicos gritó blasfemia y surgió la controversia. Finalmente, Ford aceptó la pieza de Rivera, animado por el apoyo de un apasionado contingente de estudiantes universitarios y trabajadores de fábricas que lucharon contra la censura.

El hombre controlador del universo (mural) (1934)

A pesar de la política socialista de Rivera, atrajo a numerosos partidarios millonarios. Además de Ford, la socialista Abby Aldrich Rockefeller fue su patrocinadora, e incluso invitó a Rivera a encabezar la segunda exposición individual del Museo de Arte Moderno en 1931. En 1932, ella también animó a su esposo, John D. Rockefeller, Jr., a comisionar un fresco de Rivera que abarcara el edificio RCA del Rockefeller Center. El tema que el artista y el patrocinador acordaron estaba en línea con el trabajo pasado de Rivera: "El hombre en la encrucijada y mirando con incertidumbre pero con esperanza y alta visión para la elección de un curso que lleve a un futuro nuevo y mejor".

Los Rockefeller firmaron la propuesta inicial: Una composición de proletarios en marcha que se oponen a las potencias capitalistas. En el centro, estaba un hombre heroico operando una máquina, de la cual emergieron cuatro elipses cósmicas, como portales a otros reinos. Contenían imágenes de cuerpos celestes y microorganismos, que hacían referencia a los avances científicos.

Rivera, sin embargo, hizo una adición de última hora que no le sentó bien a sus benefactores. Después de recibir el rechazo de sus compañeros socialistas por su relación con la rica familia Rockefeller, decidió dejar clara su lealtad al comunismo incorporando un retrato de Lenin. Los Rockefeller exigieron a Rivera que lo retirara, pero el artista no quiso ceder, así que en 1934, después de meses de acalorados debates, el fresco fue destruido.

Poco después, recreó la composición dentro del Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, rebautizándola como Hombre, Controlador del Universo.